UN BAR AUX FOLIES BERGÉRE

 Pintado y expuesto en el Salón de Paris en 1882, fue la última gran obra del Manet. En la obra, Manet la centra en el reconocido cabaret parisino el Folies Bergére. 

Manet presenta a una chica delante de un fondo vívido y típicamente impresionista, en este caso el bar cabaret de Folies Bergére. El Folies Bergère era uno de los numerosos cafés-concierto de la noche parisina, había sido el cabaret preferido por la clase proletaria. Manet realizó bocetos preparatorios de esta escena (Barra del Folies) introduciendo diferentes novedades en el cuadro acabado. La modelo era una de las dos camareras del local llamada Suzon, que posó para el pintor en su estudio, de donde apenas podía moverse debido a su enfermedad. El cliente que vemos reflejado en el espejo sería el pintor Gaston Latouche.

DE IZQUIERDA A DERECHA: MÉRY LAURENT Y GASTON DE LA TOUCHE 

Entre los parroquianos que se reflejan en el espejo se ha identificado a Méry Laurent, de blanco, y al pintor Henry Dupray. En la imagen se recrea un complejo sistema de ilusión y realidad, que mezcla lo artificial con lo natural: el cuadro es en su mayor parte tan sólo el reflejo de un gran espejo tras la camarera, que impide que la mirada del espectador profundice en la escena, y que lo devuelve con fuerza hacia el exterior. El espacio es angosto, oprimido por la presencia de la barra; ante la camarera, de mirada vacía, perdida, agotada y sin ningún interés, se encuentra la figura del cliente, que sólo apreciamos en el reflejo del cuadro. El cliente, igual que el espectador, parece estar entablando una negociación con la camarera, una de las atracciones de la sala. En primer plano se puede contemplar una magnífica naturaleza muerta, relacionada completamente con la vida moderna y que es criticada como una naturaleza muerta sin errores. En cuanto a la técnica pictórica, el repertorio del Impresionismo está detallado al máximo. 

ÉDOUARD MANET

Fue un pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.

De todos los artistas de su tiempo, Manet era quizás el más contradictorio. Aunque se le consideraba un personaje controvertido y rebelde.Tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el éxito que su talento merecía. Pese a que se le considera uno de los padres del Impresionismo, nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, por mucho que se respetaran mutuamente.

La notoriedad de Manet se debió más a los temas de sus cuadros, considerados escandalosos, que a la novedad de su estilo. No fue hasta mediados de la década de 1870 que empezó a utilizar técnicas impresionistas. Manet buscaba crear un tipo libre de composición que estaría, sin embargo, tan herméticamente organizada en su superficie como los cuadros de Velázquez.

En los años sesenta, sin embargo, su pintura de tema español, tan de moda por entonces en Francia, fue bastante bien acogida y en 1861 el Salón aceptó por primera vez un cuadro suyo, el Guitarrista español.

El tono general de la obra de Manet no es el de un pintor radical únicamente preocupado por el mundo visual. Él es un sofisticado habitante de la ciudad, un caballero que se ajusta en todo al concepto decimonónico de dandi. 

.

El reto lo planteaba una realidad contemporánea, las escenas con el tema del ocio en el campo estaban ya muy enraizadas en el arte occidental y abundaban tanto en las ilustraciones populares como en el arte académico, pero el cuadro de Manet pertenece a un orden distinto, desconcertante por la evidente inmediatez con que se enfrenta al espectador.

Pero más escandalosa todavía fue la Olympia, pintada en 1863. Entre las razones por las que este cuadro iba a resultar chocante no son las menos importantes el hecho no sólo de que es una cle Tiziano, sino también una flagrante descripción de los hábitos sexuales modernos.

Manet sustituye en él a una diosa veneciana del amor y la belleza por una refinada prostituta parisina. 

Manet se convirtió así, casi sin quererlo, en el personaje principal del grupo que se reunía en el Café Guerbois, la cuna del Impresionismo.

Ningún pintor del grupo impresionista ha sido tan discutido como Manet. Para algunos, fue el pintor más puro que haya habido jamás. Para otros, construyó simbólicos criptogramas en los que todo puede ser descifrado según una clave secreta, pero inteligible. Para algunos, Manet fue el primer pintor genuinamente moderno, que liberó al arte de sus miméticas tareas. Para otros, fue el último gran pintor de los viejos maestros, demasiado enraizado en una multitud de referencias histórico-artísticas.

Algunos creen todavía que fue un pintor de deficiente técnica, incapaz completamente de conseguir una coherencia espacial o compositiva. Otros piensan, por fin, que fueron precisamente estos "defectos" los que constituyeron su deliberada contribución a las drásticas y enormemente fructíferas transformaciones que introdujo en la estructura pictórica.

EL ARTE EVOLUCIONA Y MODIFICA SU BELLEZA CON EL TIEMPO...

LEONARDO DA VINCI

(LEONARDO DI SER PIERO DA VINCI)

Fue un pintor florenctino. Notable polímata del Renacimiento italiano. 

Frecuentemente descrito como un arquetipo y simbolo del hombre del Renacimineto, genio universal, además de filosofo humanista. Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido. 

Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, "La Gioconda" y "La Última Cena", al igual que su dibujo del "Hombre de Vitruvio", que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. 

.

DE ARRIBA A ABAJO, DE IZQUIERDA A DERECHA: "LA ÚLTIMA CENA; EL HOMBRE DE VITRUVIO; LA GIOCONDA.

THOMAS COWPERTHWAIITE EAKINS

En 1868 comienza con una brillante carrera como pintor realista. Enamorado de la realidad óptica, se interesó por la fotografía. 

CRISTO CRUCIFICADO

PAUL GAUGUIN

 Fue un pintor postimpresionista. Desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe y en Oceanía, volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en la cultura occidental.

Su obra está considerada entre las más importantes de los pintores franceses del siglo XIX y mantuvo su influjo más tiempo que los impresionistas, contribuyendo decisivamente al arte moderno del siglo XX. 

EL CRISTO AMARILLO

POSTIMPRESIONISMO

Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el crítico británico Roger Fry. Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

SIGLO XIX, NO MÁS BELLEZA

Algunos de los pintores que le ponen fin a la belleza son:

GUSTAVE COURBET

FRANCISCO DE GOYA

PETER PAUL RUBENS 

ÉDOUARD MANET

DESNUDOS MASCULINOS

El siguiente pintor renacentista nos plasmara para la eternidad sus desnudos masculinos:

MIGUEL ÁNGEL

(Michelangelo Buonarroti)

Fue un arquitecto, ecultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma.

Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino. La escultura era su predilecta y la primera a la que se dedicó.

DAVID

LA CREACIÓN DE ADÁN

BELLEZA FEMENINA

Los siguientes pintores renacentistas nos hablan sobre la belleza femenina:

SANDRO BOTTICELLI

(ALESSANDRO DI MARIANO DI VANNI FILIPEPI)

 Fue un pintor cuatrocentista italiano. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.

DE IZQUIERDA A DERECHA: EL NACIMIENTO DE VENUS; LA PRIMAVERA.

En "El nacimiento de Venus" podremos ver que los cuerpos estan deformados, mas en cambio en "La Primavera" nos presenta a las TRES GRACIAS O BELLEZAS que se caracterizan por la ampulosidad de sus contornos.

RAFFAELLO SANZIO 

Fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.

A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La Escuela de Atemnas, considerado una de sus obras cumbre. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.

BELLEZAS DE RAFFAELLO